Las 70 mejores películas de la historia del cine (parte 2)

Las 70 mejores películas de la historia del cine (parte 2)

11. Al final de la escapada (1960)

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Director: Jean-Luc Godard

À bout de souffle es uno de los títulos emblemáticos de la Nouvelle Vague. Basada en un guión de Truffaut, sorprendió por recurrir a técnicas no utilizadas en el cine convencional: el uso de la cámara en mano (heredado del neorrealismo italiano), los saltos de plano, los protagonistas hablando directamente a la cámara haciendo cómplice al espectador…

Película revolucionaria y metanarrativa, rompe con la formulación clásica del montaje invisible y la continuidad para contar una historia sobre la hostilidad de la sociedad moderna y la cruel impasibilidad de la pasión amorosa.

12. Los siete samurais (1954)

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Director: Akira Kurosawa

El film de Kurosawa es uno de los más influyentes de todos los tiempos, habiendo dejado una impronta de gran calado en la cultura pop, desde Star Wars de George Lucas hasta la mítica serie de televisión The A-Team.

Kurosawa no se permite ni un solo plano estático en toda la película, culminando en la batalla final, tremendamente moderna en términos de montaje y planificación. Un clásico moderno en toda regla.

13. Apocalipsis Now (1979)

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Director: Francis Ford Coppola

Un viaje existencialista a los abismos de la locura y la desesperación. La guerra como obsesión, donde Willard Y Kurtz son dos caras de la misma moneda.

Desmesurada en todos los aspectos, es una sobrecogedora (pero maravillosa) experiencia cinematográfica sobre los espantos y sinsentidos de la guerra, que casi arruinó a Coppola pero que posiblemente sea su mejor película.

14. Persona

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Director: Ingmar Bergman

La exploración y simbiosis de las dos personalidades de una misma mujer, interpretadas magistralmente por las dos musas del cineasta (Bibi Anderson y Liv Ulman) es una de las películas más bellas, inquietantes, personales y fascinantes del séptimo arte.

Bergman crea una obra basada en la ilusión y el artificio para hablar de las máscaras sociales y la descomposición y la fragilidad de la identidad.

15. Cantando bajo la lluvia (1951)

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Director: Stanley Donen & Gene Kelly

Esta película habla sobre el cine y lo hace con un amor y una alegría desbordante que acaba contagiando gracias a su música y canciones para el recuerdo. Una comedia llena de magia y sentimiento, que es ya historia viva del celuloide.

Para la posteridad, Gene Kelly bailando y apuntando al cielo con su paraguas, perfecta imagen del optimismo y la felicidad.

16. La aventura

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Director: Michelangelo Antonioni

Uno de los hitos clave de la modernidad cinematográfica, esta película transgresora y revolucionaria es un relato brutalmente seco de las relaciones humanas y de la falta de comunicación.

Abstracta en su contenido, es una obra absolutamente fascinante que ofrece un descarnado y existencialista acercamiento a la imposibilidad de no hacer daño a las personas que más queremos.

17. El Padrino (1972)

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Director: Francis Ford Coppola

Obra maestra imprescindible del cine contemporáneo, síntesis perfecta entre el cine de autor y el cine comercial impulsado por los estudios.

Relato familiar de una gran tragedia donde el cine negro alcanza resonancias shakespearianas. Acompañado de la mítica banda sonora de Nino Rota, Coppola hace una crítica del sistema americano, donde la Mafia encuentra amparo en la corrupción de senadores, jueces y policías.

18. Ordet (1955)

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Director: Carl Dreyer

Ordet (La Palabra) es una de las películas más hermosas y complejas jamás rodadas, una profunda reflexión sobre la fe y los distintos posicionamientos de los individuos frente a ella.

La razón frente a la fe, la ciencia frente al dogma, la tolerancia frente al fanatismo, el humanismo frente la idealismo. La milimétrica planificación de cada plano y la sobriedad de los decorados (rayando la abstracción) son algunas de las características del estilo de Dreyer, que alcanza aquí su depuración más absoluta.

19. In the mood for love (2000)

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Director: Wong Kar-wai

Un precioso y sutil drama romántico que constituye la cumbre de la filmografía de su director. La perfección poética de esta película se basa en su capacidad de “atrapar” el tiempo y subjetivarlo según el estado de ánimo de sus protagonistas.

Para reflejar el tiempo interior y emocional, las imágenes y la música se dan la mano de manera casi perfecta. Los personajes se debaten entre la fidelidad y el impulso amoroso, intentando ocultar sus sentimientos, sufriendo los desencantos del amor y ensayando (dolorosos) desengaños y despedidas. El tiempo que se fue y el que se pudo haber vivido.

20. Rashomon (1950)

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Director: Akira Kurosawa

La primera obra maestra de Kurosawa, una fábula moral sobre el relativismo y la filosofía de los actos humanos. El cuestionamiento de la realidad de nuestros actos (influencia en innumerables películas posteriores, hablándose incluso del “Efecto Rashomon”) hace que el espectador tenga que arrojar su propia mirada sobre un mismo hecho que puede tener múltiples interpretaciones.

La objetividad se ve puesta en duda por la propia estructura narrativa, que hace que la verdad resulte imposible de dilucidar. Ante la imposibilidad de una verdad epistémica y objetiva de los hechos, la “verdad moral” es el último reducto de esperanza y confianza.

 

Fuente: superaficionados.com