Las 70 mejores películas de la historia del cine (parte 1)

Las 70 mejores películas de la historia del cine (parte 1)

Todos tenemos nuestras películas favoritas, aquellas que nos encanta revisar una y otra vez y que forman parte de nuestra vida de una manera o de otra. Confeccionar una lista con las mejores películas de la historia del Séptimo Arte es una empresa casi suicida, porque siempre faltará o sobrará algún título, dependiendo de nuestros gustos y debilidades personales. Nosotros nos hemos atrevido a seleccionar 70 títulos que creemos que deben estar, sí o sí, en cualquier lista de este tipo, ya sea por sus valores puramente artísticos como por su influencia o impacto en la historia del cine.

Esperemos que estés de acuerdo con nosotros y disfrutes de este repaso. ¡Que se abra el telón!

1. Vértigo (1958)

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Director: Alfred Hitchcok

Película adelantada a su tiempo y que solamente años después de su estreno fue reivindicada como la obra maestra que es. Su poder de fascinación continúa a perturbar a espectadores y cineastas (que se lo digan a De Palma) y su perfecto equilibrio entre ética y estética es perfecto para contar esta surrealista historia que mezcla magistralmente el misterio con el romanticismo.

Muy probablemente, la obra perfecta de Hitchcock.

2. Ciudadano Kane (1941)

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Director: Orson Welles

Siempre en lo más alto de este tipo de listas, Ciudadano Kane, sin ser la mejor película de su director, es innegable que se ha erigido como una de las obras más importantes e influyentes en la historia del Séptimo Arte.

Dirigida, coescrita, protagonizada y coproducida por Welles, fue un caso inusual de total libertad creativa.

Xanadú. Rosebud. Un laberinto sin salida y una revolución de la estética cinematográfica.

3. Cuentos de Tokio (1953)

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Director: Yasujirô Ozu

Un argumento sencillo para un drama que trata sobre sentimientos universales: el amor entre padres e hijos, el irremediable paso del tiempo, el olvido, el egoísmo de los hijos…

La vida a través de la quietud y un retrato demoledor de lo humano y de las herencias perdidas.

4. La regla del juego (1939)

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Director: Jean Renoir

Un brillante retrato de la condición humana, de las terribles apariencias y de las más bajas pasiones.

Ninguno nos escapamos del juego de la farsa y la apariencia; todos somos unos mentirosos que jugamos a fingir pretendiendo ser educados.

5. 2001: Odisea en el espacio (1968)

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Director: Stanley Kubrick

Nadie discute su título de obra cumbre del género de la ciencia ficción, pero 2001 siempre ha dividido al público, que la adora o la detesta (tachándola de aburrida).

La deliberada gelidez emocional de los personajes y la estética consiguen que el único personaje realmente conmovedor no sea humano, sino un ordenador, el recordado HAL 9000, una inteligencia emocional que se convierte en el auténtico héroe de la función.

6. The Searchers (1956)

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Director: John Ford

Conocida como Más corazón que odio en Hispanoamérica y Centauros del desierto en España. Violencia, venganza, redención, road movie dentro de un western y la mejor interpretación de John Wayne.

La película, un viaje y un círculo que se cierra, esconde todos los grandes elementos de las obras fordianas: el retrato de la condición humana, la poesía, la épica y una narración limpia y honesta.

7. La pasión de Juana de Arco (1927)

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Director: Carl Dreyer

La fotografía de esta película es su principal baza y uno de los motivos principales por lo que es considerada una obra maestra del cine mudo (y del cine en general).

Sus poderosas imágenes, especialmente los primeros planos de la protagonista, y su sentido del ritmo prodigioso hacen de ella una auténtica experiencia cinematográfica.

8. 8 1/2 (1963)

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Director: Federico Fellini

Una personalísima joya de su director, que plasma perfectamente su universo único e irrepetible.

La falta de inspiración de su protagonista acaba constituyendo la obra en sí misma, una intemporal anarquía imaginativa donde se mezclan realidad y fantasía y donde el Guido Anselmi encarnado por Matroianni encarna al más explícito de los alter egos del director.

9. El acorazado Potemkin (1925)

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Director: Sergei Eisenstein

Una de las películas clave en el desarrollo de la narrativa en el cine, así como de la edición y montaje. En la famosa escena de la escalinata de Odessa hay más de 170 planos unidos por el montaje que consiguen provocarnos sensaciones que van más allá de la sucesión de todos esos planos, alcanzando una potencia visual que marcaría a infinidad de directores posteriores.

Conserva su nervio narrativo y su potencial para emocionar al espectador aún hoy en día y algunos la consideran la mejor película de la historia.

10. L’Atalante (1934)

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Director: Jean Vigo

Con un lenguaje alegórico y poético y una sensualidad atrevida para la época, la película de Vigo consigue un perfecto equilibrio entre comedia y drama, realidad y fantasía, a la vez que es una clara denuncia de problemáticas como el desempleo, la ignorancia y la desigualdad social.

Llena de magia y vitalidad, de simbolismos y detalles, L’Atalante resume todas las características del estilo de Vigo, cuyo lirismo visual y narrativo lo convirtió en el inspirador de los movimientos de la vanguardia cinematográfica francesa de los años 50 y 60. Realismo poético y naturalista unido a un discurso anárquico hacen de esta película una experiencia inmensa y profunda que fue totalmente incomprendida en el momento de su estreno.